EL TEATRO EN EL "SIGLO DE ORO"

En el Siglo de Oro español existían tres tipos de teatros:

El teatro público – Las representaciones se hacían en un patio rectangular llamado “corral”, flanqueado por los muros traseros de las casas vecinas. En él se ubicaban los hombres, de pie, a quienes se llamaba “mosqueteros”. Los balcones y ventanas se reservaban para los espectadores distinguidos, y las mujeres se situaban en una galería independiente denominada “cazuela”. Detrás del patio había asientos formando un anfiteatro y a lo largo de  los muros también se colocaban bancos o gradas. Las funciones eran de tarde y terminaban una hora antes de la puesta del sol; se realizaban si el tiempo lo permitía, pues el patio era descubierto. El escenario estaba constituido por un simple tablado cerrado al fondo y los costados por telones pintados. De modo que el poeta debía crear el ambiente con el texto.

El teatro eclesiástico – Era el destinado a las representaciones de los autos sacramentales. Estas se hacían sobre carros móviles, mucho más ricos en recursos escenográficos que los del humilde teatro público.

El teatro de Corte – Igualmente estaba bien provisto desde el punto de vista escénico. Podía levantarse en un parque o en una sala especial del palacio. Las representaciones tenían lugar en oportunidad de las fiestas reales.

Trabajo sobre la obra "Fuenteovejuna"

A partir de la lectura de la obra “Fuenteovejuna” de Lope de Vega, y luego de realizar el vocabulario de la misma, responde las preguntas que aparecen debajo:

1. Lee las siguientes definiciones, e identifica los rasgos de comedia y de tragedia que aparecen en la obra

Comedia: obra dramática con personajes vulgares, situaciones cómicas y final feliz.

Tragedia: obra dramática que imita una acción seria, con personajes nobles y lenguaje elevado. La tragedia tiene un desenlace funesto para el héroe o personaje principal, que comete una falta, desafía al destino y recibe un castigo ejemplar, a menudo la muerte.
Tragicomedia: obra dramática que incluye elementos trágicos y cómicos. Intervienen en ella personajes populares y nobles, y se utiliza lenguaje elevado o vulgar según la clase social del personaje.

2. Registra el argumento de la obra (los hechos relacionados en un orden causal que conducen al desenlace final) y los distintos lugares donde se desarrolla la acción. Es importante leer con atención las acotaciones del autor y no solo los discursos de los personajes.

3. ¿Cuál es el tema de la obra?

4. En la estructura de cualquier obra dramática es posible reconocer tres etapas en el desarrollo de la acción:

a. Planteo o exposición (presentación del conflicto dramático)

b. Nudo (desarrollo de los sucesos hasta el momento de máxima tensión)

c. Desenlace (resolución del conflicto)

Inventa un título para cada uno de los tres actos, de acuerdo a las tres instancias de la acción dramática.

5. Toda obra teatral implica un conflicto dramático: enfrentamiento de dos fuerzas antagónicas que tienen intereses o actitudes opuestas. Identifica cuáles son esas fuerzas en esta obra, y agrupa a los personajes en cada una de ellas.

6. En los primeros versos de la obra, se manifiesta un primer defecto del Comendador, ¿cuál es?

7. ¿Por qué Laurencia se opone a los deseos del Comendador y no cede como las demás las mujeres?

8. ¿Cómo es la situación de la mujer en la época, según lo que se desprende de la obra?
9. La última de las grandes escenas del primer acto hace avanzar la historia sentimental de Laurencia y Frondoso. La llegada del Comendador interrumpe el idilio. ¿Qué pretende el Comendador? ¿Cómo responde Laurencia a su requerimiento? ¿Crees justificada la intervención de Frondoso? ¿Por qué?

10. Empieza el tercer acto con una junta en la sala del concejo, presidida por las autoridades locales. Los asistentes analizan una vez más la situación y cómo puede repararse. ¿Qué soluciones se proponen en la reunión?

11. En plena discusión llega Laurencia, que acaba de escapar de sus raptores, y dirige un duro discurso a los reunidos. Ese discurso revela algunos aspectos de la personalidad de la muchacha, ¿cuáles son?

12. ¿Cuál es el orden que transgrede el Comendador en la obra? ¿Qué función cumplen el rey y la reina en las últimas escenas del tercer acto?

Trabajo sobre la obra "Peribáñez y el Comendador de Ocaña"

A partir de la lectura de la obra “Peribáñez y el Comendador de Ocaña” de Lope de Vega, y luego de realizar el vocabulario de la misma, responde las preguntas que aparecen debajo:

1. Lee las siguientes definiciones, e identifica los rasgos de comedia y de tragedia que aparecen en la obra

Comedia: obra dramática con personajes vulgares, situaciones cómicas y final feliz.

Tragedia: obra dramática que imita una acción seria, con personajes nobles y lenguaje elevado. La tragedia tiene un desenlace funesto para el héroe o personaje principal, que comete una falta, desafía al destino y recibe un castigo ejemplar, a menudo la muerte.

Tragicomedia: obra dramática que incluye elementos trágicos y cómicos. Intervienen en ella personajes populares y nobles, y se utiliza lenguaje elevado o vulgar según la clase social del personaje.

2. Registra el argumento de la obra (los hechos relacionados en un orden causal que conducen al desenlace final) y los distintos lugares donde se desarrolla la acción. Es importante leer con atención las acotaciones del autor y no solo los discursos de los personajes.

3. ¿Cuál es el tema de la obra?

4. En la estructura de cualquier obra dramática es posible reconocer tres etapas en el desarrollo de la acción:

a) Planteo o exposición (presentación del conflicto dramático)

b) Nudo (desarrollo de los sucesos hasta el momento de máxima tensión)

c) Desenlace (resolución del conflicto)

Inventa un título para cada uno de los tres actos, de acuerdo a las tres instancias de la acción dramática.

5. Toda obra teatral implica un conflicto dramático: enfrentamiento de dos fuerzas antagónicas que tienen intereses o actitudes opuestas. Identifica cuáles son esas fuerzas en esta obra, y agrupa a los personajes en cada una de ellas.

6. En los dramas del teatro barroco era común el tema del honor, como un sentimiento exclusivo de la nobleza. Un villano podía experimentarlo, pero se descubría finalmente que era un noble que ignoraba su origen, porque había sido educado por gente humilde.

A partir de la lectura de las escenas XIII a XVI, XX, XXI y XXIII del acto II y de las escenas II, V, XIV a XX del acto III, expresa cuál es el concepto nuevo del honor que muestra Lope de Vega en esta obra. Justifica tus afirmaciones en pasajes concretos del texto.

7. Goethe afirma que “Todo lo trágico se basa en un contraste que no permite salida alguna. Tan pronto como la salida aparece o se hace posible, lo trágico se esfuma”.

Kayser, en “Interpretación y análisis de la obra literaria” (Gredos, Madrid, 1971), define al héroe trágico como “El que sucumbe sin tener posibilidad de evitar su sino”.

El héroe trágico es de alta posición y desde su mundo de felicidad y seguridad sufre una caída, comete una falta o exceso, viola un orden trascendente. Es culpable y debe ser castigado, para que el orden pueda restituirse. En la tragedia griega antigua esa falta es un desafío a los dioses, que destruyen al trasgresor por su soberbia.

Explica, a partir de las escenas VI, VIII, XI, XII, XV y XXII del acto I, la escena XII del acto II, y las escenas II, III, XVI, XVII y XVIII del acto III, por qué el Comendador de Ocaña es un personaje trágico, justificando tus afirmaciones en pasajes concretos del texto.

8. Señala cuál es el ambiente y el clima reinante desde el comienzo de la obra (escena I, acto I), a partir de las acotaciones, las palabras de los personajes, los cantos y la danza.

9. En las escenas II y III del acto I, antes de la llegada del Comendador herido a la casa de Peribáñez, ¿cuál es el elemento que altera la armonía y la paz entre los campesinos?

10. Lee atentamente la escena VI del acto I:

a. En el primer parlamento de Casilda, cuando le toma las manos al Comendador desmayado por la caída del caballo, ¿qué sentimientos demuestra tener hacia su señor? ¿Qué virtudes le reconoce?

b. La primera expresión del Comendador cuando ve a Casilda es: “¡Ay de mí!”. Según el desenlace de la obra, ¿qué sentido cobra esta primera expresión del personaje?

c. Analiza su segundo parlamento en la escena y registra las imágenes que usa el Comendador para alabar la belleza de Casilda.

d. ¿Qué sentimientos experimenta el Comendador en los dos apartes de la escena?

e. Analiza la metáfora del siguiente verso: “Diamante en plomo engastado…”.

f. Compara las imágenes que usó Peribáñez en la escena I para elogiar a Casilda, con las que emplea el Comendador en toda esta escena. ¿Qué conclusiones puedes sacar sobre el lenguaje que usa cada uno de ellos?

g. ¿Cuál es la actitud de Casilda en la escena, desde que comprende que el Comendador la está cortejando?

h. En la época en la que transcurre la acción dramática las clases sociales eran rígidas y nadie podía casarse más que con personas de su mismo nivel. ¿Qué implican estas palabras del Comendador?: “Aún para ser mujer mía / tenéis, Casilda, valor”.

11. En la escena XII del acto II, cuando Casilda sale de madrugada a la ventana, el Comendador le habla disfrazado de segador y compara el amor de Peribáñez (que la dejó sola) con el suyo, aunque habla de sí mismo en tercera persona. No se sabe si Casilda lo reconoce o no, pero su respuesta sirve para caracterizarla como personaje. A través de sus palabras demuestra su fidelidad a Peribáñez y su discreción. Analiza los siguientes versos que pertenecen a la tercera parte del discurso de Casilda:

“Y cuando el Comendador

me amase como a su vida,

y se diesen virtud y honra

por amorosas mentiras,

más quiero yo a Peribáñez

con su capa la pardilla,

que al Comendador de Ocaña

con la suya guarnecida…”.

12. Analiza el final de esta escena, teniendo en cuenta cómo actúa Casilda cuando el Comendador se identifica y qué rasgos muestra de su personalidad.

13. Analiza los diálogos de los labradores amigos de Peribáñez cuando su ama los llama. Si bien su lenguaje refiere al inicio de su jornada de trabajo, ¿de qué están hablando en realidad?

14. Identifica en las escenas I y II del acto I y en la escena V del acto III cuáles son los elementos cómicos.

15. ¿Cuál es el orden que transgrede el Comendador en la obra? ¿Qué función cumplen el rey y la reina en las escenas XXIII a XXVI del tercer acto?

FUENTEOVEJUNA

DRAMATURGIA Y ESTILO DE LOPE DE VEGA

LA TEORÍA – En 1609 Lope compuso, por mandato de la Academia de Madrid, según se desprende de los versos iniciales, un pequeño tratado (“Arte nuevo de hacer comedias en este tiempo”) que constituye su arte poética. La extensión de esta obra es más bien breve: trescientos sesenta y seis versos endecasílabos.

Lope expone en la citada obra una concepción del arte totalmente desfasada de las preceptivas de su tiempo. Ya el título resulta paradójico. “Arte” y “Nuevo” son dos tendencias antitéticas. Para entenderlo mejor, es necesario situarse en el ambiente polémico de la época. Se enfrentaban entonces dos escuelas: por un lado quienes creían que la obra debía someterse a normas (“el arte”) vagamente proclamadas por los antiguos e impuestas como leyes inflexibles por los tratadistas italianos del siglo XVI; por otro, quienes sostenían la libertad del creador, obediente al mandato de la vida (“el natural”) y despreocupado de las doctrinas.

Sus principios dramáticos pueden sintetizarse así:

• Libertad técnica – “…y, cuando he de escribir una comedia, / encierro los preceptos con seis llaves...”. Esta afirmación inicial del autor supone su desdén por las unidades dramáticas, excepto por la de acción. Dichas unidades eran: la de acción (el drama debe girar alrededor de una sola acción o suceso dramático), la de tiempo (ese suceso debe transcurrir en el término ideal de veinticuatro horas) y la de lugar (la escena no puede trasladarse de un punto a otro). También Lope desdeña la unidad de género según la cual no podrían mezclarse lo trágico y lo cómico, lo noble y lo plebeyo.

• Identidad de vida y arte – A propósito de esta mezcla de elementos agrega Lope: “...que aquesta variedad deleita mucho. / Buen ejemplo nos da Naturaleza / que por tal variedad tiene belleza”. Se afirma aquí que la poesía es vida y no doctrina, pues el fin último de la obra es provocar emoción inspirada en la belleza natural y espontánea. En todo el tratado el autor demuestra que sus ojos están puestos en el deleite de su público. Al justificar ese arte libre dice irónicamente que lo hace “porque, como lo paga el vulgo, es justo / hablarle en necio para darle gusto”.

• Visión totalizadora de la existencia – La obra teatral de Lope tuvo la virtud de encerrar, concentradamente, la aventura humana, atenta a ese espectador ávido de emociones, que aspiraba a que se reflejase en la escena la existencia en su totalidad.

• Estructura externa e interna de la obra – En otro pasaje explica la división en tres actos de la comedia (que antes se dividía en cinco), y agrega (y esto atañe ya a la estructura interna) que el asunto de la obra debe crecer y culminar en un punto, a partir del cual surja la solución. Pero esta última estructura se adecua a la primera (la externa) en el triple movimiento de planteo, nudo y desenlace: “En el acto primero ponga el caso, / en el segundo enlace los sucesos, / de suerte que hasta medio del tercero / apenas juzgue nadie en lo que para”. El último verso responde a un lúcido manejo del acontecer dramático, ya que la comedia, cuya misión es interesar y deleitar al espectador, no debe proporcionar la clave hasta el final, pues perdería uno de sus encantos: el suspenso.

• Verdad sicológica – En otro lugar Lope proclama el respeto por la sicología de los personajes en relación con la realidad. Dice así: “Si hablare el rey, imite cuanto pueda / la gravedad real; si el viejo hablare, / procure una modestia sentenciosa...”, y concluye: “Guárdense los imposibles, porque es máxima / que sólo ha de imitar lo verosímil”.

• Versificación – La polimetría, es decir, la utilización de versos de distinta medida, fue otra de las constantes técnicas de Lope que salvó a su drama de la monotonía melódica del metro uniforme. El autor aconseja adecuar ese verso al sujeto tratado: décimas para las quejas, sonetos para los monólogos, romances u octavas reales para los relatos, tercetos para las cosas graves, redondillas para el amor.

• Lenguaje – La expresión que postula Lope es la directa y sin retorcimientos.

PROCEDIMIENTOS ESTILÍSTICOS – Pasando ahora a los elementos más destacados de su estilo teatral, señalaremos los siguientes:

• Predominio de la aventura – El teatro de Lope se construye, en general, en torno a la intriga que acapara el interés escénico.

• Ausencia de protagonista – Es poco frecuente que aparezca un personaje alrededor del cual gire toda el drama. Lo habitual es que varios de ellos presenten facetas lo bastante acusadas como para reclamar para sí el papel más importante de la comedia.

• Tradición y costumbrismo – Lo popular español, tal como surge a través de las crónicas, leyendas y romances (la tradición) y tal como el pueblo lo vio a su alrededor, en el ambiente aldeano y ciudadano (costumbrismo), obtiene el derecho de ser poetizado. Muy a menudo la pieza se construye en base a una copla o cantar recogido oralmente por el pueblo y finamente interpretado y reelaborado por el autor, o tiene como núcleo dramático la vida de una ciudad, con sus damas, galanes y su mundo propicio para la aventura amorosa, a los celos, al engaño y a los lances caballerescos.

• Realismo e ilusión – La realidad radica, en este teatro, más en el ambiente (modos de vida, costumbres, indumentaria) que en la acción misma. La aventura de los personajes es a menudo irreal o fantástica.

• Lirismo – Todo el drama de Lope está lleno de elementos líricos, en su doble vertiente, popular y culta, según se exprese el alma del rústico o del caballero.

• Sentimientos constantes – Este teatro se caracteriza además, por la presencia de algunos sentimientos que reaparecen a modo de temas constantes. Ellos son:

o el amor: es el motivo de inspiración más grato al autor. Todo acontecimiento se genera en esa fuerza misteriosa y fatal que arrastra a los personajes, para salvarlos o perderlos, como en un torbellino.

o el honor: este sentimiento, al que deben subordinarse todos los móviles humanos, era casi una convención de la literatura española. En manos de Lope se enriquece con una nueva perspectiva. Hasta entonces se le consideraba privilegio de la nobleza y ahora se descubre que, con igual firmeza y mayor valor, anida también en el alma del villano (del rústico hombre del campo).

o la monarquía: el rey, figura adorada por el pueblo casi como a Dios, aparece siempre en una actitud simpática y humana. Es por lo general quien ampara al villano desvalido frente a la prepotencia del noble y muy a menudo el que soluciona las situaciones, aparentemente sin salida, que se han planteado.

o la fe: el firme sentimiento cristiano (otro elemento tradicional de la literatura hispana) anima a los personajes.

LOS PERSONAJES – Fácil resulta imaginar, si se tiene en cuenta la extensión de este teatro, la voluminosa y compleja galería de figuras que aparecen en escena. Pertenecen a todas las clases sociales y a todos los ambientes, y se mueven por todos los impulsos del alma humana. No obstante, merecen especial mención dos creaciones de Lope que resultan inolvidables por distintos motivos: la mujer y el gracioso.

• La mujer - Todas se destacan por su inteligencia, su firmeza de carácter, su ingenio, su belleza y su gracia. A menudo son las que llevan la iniciativa, ya sea en cuestiones amorosas, ya en la venganza del honor ultrajado o en su defensa obstinada y hábil. Siempre parecen superar y dominar sicológicamente al hombre, más ingenuo o frágil en sus pasiones.

• El gracioso – El tipo del gracioso fue otra de las creaciones de Lope, pues aunque ya había aparecido en algunas obras del ciclo anterior, ahora su figura se jerarquiza estéticamente y su intervención se hace constante. Inseparable del héroe, casi siempre como criado, sirve para enaltecer, por contraste, la figura idealista del amo, con su visión antiheroica de la vida; otras veces su comicidad logra distender un clima tenso y es como una válvula de escape a la emoción contenida.